Grafiti para escapar

Desde hace pocos años se viene registrando un tipo de turismo particular en la ciudad de Bogotá, el del Grafiti Tour.  Aunque aquí no lo sepamos son muchos los turistas  que llegan al país para recorrer las calles de la ciudad y detenerse en lo más destacado del Street Art. La actividad que en realidad tomó fuerza desde hace seis años, fue ideada por un australiano que ha destacado al grafiti colombiano como uno de los mejores del mundo.

La  película de Oscar Ruíz Navia también presenta lo más bonito del arte callejero pero de la ciudad de Cali, en su segundo largometraje Los Hongos.

La primera barrera que hay que vencer para ver este film es la del título. Que no lo confunda con que se trata de una historia aderezada por las drogas y la extravagancia, Los Hongos es un título descriptivo no precisamente de su historia, sino más bien de cómo son vistos por la sociedad ese tipo de personajes que no casan dentro de los estándares y expresan su visión del mundo de forma crítica y auténtica.

Es la historia de dos adolescentes con vidas distintas; uno es el afrodescendiente Ras, quien llega a la ciudad, al distrito de Aguablanca desplazado junto a su madre, y el otro es Calvin, un universitario hijo de padres separados, de clase media y que vive con su abuela, una anciana llena de amor por su nieto y que padece de cáncer. A ambos los une el amor por el arte callejero. Llenar a escondidas las paredes de la ciudad con sus dibujos es lo que más lo motiva y por eso hacen todo por conseguir las pinturas para realizarlas, lo que le trae como consecuencia a Ras  el ser despedido por robar pintura de la construcción donde trabajaba.

Se podría decir que Los Hongos es un film ecléctico que mezcla varias estéticas, hay mucho movimiento (se fijarán en una escena genial sobre este aspecto que ocurre en el Túnel de la Avenida Colombia, inaugurado en Mayo de 2013 en Cali), que tiene a varios personajes diferentes entre sí, y muchos tópicos que pasan por el amor a la familia, la amistad, la juventud y la aventura, a la crítica social, la religión, la política – haciendo uso de la sátira -, y la locura de la calle. Aunque toda esta mezcla no pareciera ser orgánica en su conjunto; hay transiciones bruscas, cambios de ambiente notoriamente diferentes, son decisiones desde la cámara y el montaje (sobre todo) que terminan por confirmar el carácter urbano y semirreal de este largometraje. La fotografía es vívida, lo que se traduce en una nítida experiencia en pantalla, gracias también a que su formato de rodaje fue el de 35mm.

La elaboración de un gran grafiti temático es la excusa para mostrar el arte de estos artistas y que nos permite entrar en su mundo, su estilo de vida y pensamiento, que seguramente pondrá a reflexionar a muchos, especialmente a aquellos con prejuicios. Los actores que participan en la película son reales, grafiteros de la movida en la ciudad que colaboraron con Oscar Ruíz, que improvisaron bastante y que ayudaron a moldear el guión.

A pesar de ser una película urbana, no hay mayor bullicio o psicodelia, transcurre el film con cierta pausa (ojo, no es la temida película contemplativa), pero si de cuidada fotografía y de composiciones de gran belleza. Su final es una muestra de la delicadeza estética de este director y de las cosas profundas que siempre quiere transmitir. Le gustará al espectador que aunque sus personajes viven en un entorno difícil y que su oficio es reprimido, no hay dramatismos, por el contrario hay esperanza.

Si contar con actores amateurs le da intimismo a la película, el director también ha puesto un sello personal al incorporar a su abuela (ya fallecida) y a su padre (Gustavo) en la historia.

Los Hongos recibió en el Festival de Cine de Locarno un premio especial.

Intenciones del Director

“Los Hongos tiene que ver con mi vida en Cali, una ciudad intermedia del suroccidente colombiano donde nací, fui criado, estudié y me enamoré del cine. Durante un tiempo estuve lejos, pero tras la enfermedad y posterior muerte de mi abuela, decidí regresar. Quise hacer un film que mezclara mis recuerdos con mis nuevas vivencias, los lugares que he transitado con los que desconocía, las personas que me han acompañado durante toda la vida con aquellas que llegaron con esta experiencia. Trabajar en el limbo entre algo que puedo controlar y algo que se sale de mi total control -con la enorme dificultad que todo eso implica- me llena de profunda fascinación”

“Esta no es una película hedonista. Es por el contrario un proyecto que surge de un dolor. La mayoría de personas al escuchar el título Los Hongos sitúan de inmediato su imaginario en una idea sicodélica, de drogas y placer. Pues bien, la metáfora en el título remite a los hongos explorando su sentido literal: seres vivos que aparecen en contextos de tremenda podredumbre y descomposición. Los hongos son la vida que surge en la muerte. Y es ahí donde podría radicar el espíritu de este film: LA VIDA. Todas las personas que aparecen aportaron parte de su propia historia y existencia, creando un mundo que se aleja del realismo ortodoxo y se acerca mejor a una ensoñación; un tipo de mundo en el que huir en bicicleta a gran velocidad en medio del tráfico, mientras el viento roza la piel, puede devenir en una epifanía. Y con sueño no me refiero a una nebulosa, pienso en un “sueño documental”. Oscar Ruíz Navia

Una crítica de Sandra M Rios  para Cine Vista

La proyección comenzará a las 20:00 horas del domingo 12 de marzo en el salón de actos de Las Armas. Entrada libre hasta completar aforo.

El Palmarés y fin de fiesta. Esperanzadora XXI edición del Festival de Cine de Zaragoza

Este ha sido un festival que escribe una página de ilusión  por la afluencia a las salas para ver cine. 

Es difícil destacar algo  sobre 10 días dedicados al cine en muchos de sus formatos que han llenado la ciudad del Ebro con cientos de proyecciones. Siempre los datos son fríos y enumerar no es la misión de este blog.

A poner en valor la cantidad de público que ha visitado las salas, tanto en el Palafox, como en Aragonia y Centro de Historias. Por supuesto contando también con los llenos totales de todos las proyecciones en la Filmoteca de Zaragoza.

Los festivales cinematográficos se deben al audiovisual y lo que mejor les sienta es tener salas llenas viendo cine.

Bella y Perdida
Bella y Perdida

Hacer mención especial a la sección de Largometraje “Cine al Cierzo” y la puesta en valor de un tipo de creaciones para las que hay público en  Zaragoza. La buena entrada a la sección así lo demuestra. Superada con creces nuestra apuesta por el largometraje. La película  “BELLA Y PERDIDA” de Pietro Marcello se llevó el premio del jurado de esta sección. Una excelente cinta al nivel de todas las  que participaron tras una exigente selección que hizo que el programa del certamen tuviese una calidad máxima, como en pocos festivales a nivel internacional.

El palmarés también pone en relieve el enorme talento de la producción nacional y local a nivel de cortometraje y mediometraje. También documental.

Por ejemplo “FADE” de Ainhoa Rodríguez,  ganadora del Augusto al mejor videoclip nacional. Un trabajo al que le esperan muchos premios nacionales e internacionales.

Fotograma de Fade
Fotograma de Fade

Quiero destacar también los dos documentales premiados. “Muros” de Pablo Iraburo, que está de rabiosa actualidad y “Eduardo Ducay, el cine siempre estuvo ahí” de la zaragozana Vicky Calavia, que recibió el augusto al mejor documental aragonés. Cine hablando de cine.

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Y por último quiero nombrar al mejor corto nacional “Hileta” de Kepa Sojo. Este es el premio con más solera del festival y esta más que merecido para este trabajo. También una mención al cortometraje de animación aragonés “Fres-Boy” de Cristina Vilches y Paloma Canonica, que como digo demuestra el buen nivel de nuestros creadores locales.

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Fres-Boy
Hileta
Hileta

Los premiados son muchos más que podéis ver al completo al pie de este post.

El año que viene más.

Angel de Manuel

PALMARES OFICIAL 21º FESTIVAL DE CINE DE ZARAGOZA

Agradecemos  al Jurado de las diferentes Secciones a Concurso

7º Concurso Nacional del Cartel Oficial FCZ  

  • PREMIO AL MEJOR CARTEL E IMAGEN OFCIAL “A TRAVÉS” de Fabiola Correas Lisbona   500€+Diploma
  • PRIMER ACCESIT DEL JURADO “AUGUSTO” de Javier Ramírez  Diploma
  • SEGUNDO ACCESIT DEL JURADO “CINE EN TUS MANOS” de David Arenas Rivas   Diploma
  • ACCESIT DEL PUBLICO (votado por las redes sociales del Festival) “EN TU MEMORIA” de Alejandro Murillo   Diploma

3º Certamen Internacional de Cortometrajes “Aragón Negro”

  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE INTERNACIONAL GENERO NEGRO “LA MANO INVISIBLE” de Marco Antonio Robledo   500€+Trofeo
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO “LA ÚLTIMA NOCHE DE BABY GUN” de Jan Eilhardt.

3º Certamen Nacional de Microcortos para internet

  • AUGUSTO AL MEJOR MICROCORTO PARA INTERNET “CARIÑO ME HE FOLLADO A BUMBURY” de Teresa Bellón 300€+Trofeo
  • AUGUSTO AL MEJOR MICROCORTO PARA INTERNET ARAGONÉS            QUEDA DESIERTO                                                               Trofeo

18º Certamen Nacional de Videoclips

  • AL MEJOR VIDEOCLIP NACIONAL “FADE” de Ainhoa Rodriguez  400€+Trofeo
  • AUGUSTO AL MEJOR VIDEOCLIP ARAGONÉS “HARMLESS CRUELTY” de Alex Villar       Trofeo
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO “MILLONES DE PALABRAS” de Paul Stein.

5º Certamen Internacional de Escolares ZARAGOZA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE REALIZADO POR ESTUDIANTES DE PRIMARIA “VIRAL” de Taller Telekids Sevilla (España)   450€+Trofeo
  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE REALIZADO POR ESTUDIANTES DE SECUNDARIA “REACTIVO LIMITANTE” de IES Avempace Zaragoza (España)    450€+Trofeo
  • PREMIO FACULTAD EDUCACIÓN UNIVERSIDAD ZARAGOZA AL MEJOR CORTOMETRAJE REALIZADO POR ESTUDIANTES DE PRIMARIA “NO TE RINDAS” de Colegio Público Qadrit de Cadrete  (España)        Trofeo
  • PREMIO FACULTAD EDUCACIÓN UNIVERSIDAD ZARAGOZA AL MEJOR CORTOMETRAJE REALIZADO POR ESTUDIANTES DE SECUNDARIA “RAUS” de Movimientos Bildung un Film (Suiza)        Trofeo
  • PREMIO CPA AL MEJOR CORTO NACIONAL REALIZADO POR ESTUDIANTES DE BACHILLER      QUEDA DESIERTO                            Kit de material de rodaje para el Centro Ganador + Diploma acreditativo.
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO FACULTAD EDUCACIÓN “RAUS-KEINE GEGENÜBER INTORLERANZ” de Movimientos Bildung un Film (Suiza).
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO FACULTAD EDUCACIÓN “¡DESPIERTA! WAKE UP!” de IES Elaios (España).
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO FACULTAD EDUCACIÓN “MUERTE EN BUBAL” de IES Europa (España).
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO OFICIAL “TAISTO-BATTLE” de Valve Movie School / Movie Club Kolina (Finlandia).
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO OFICIAL “XSSST” de Colegio Público Vicente Lino Ferrándiz (España).
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO OFICIAL “THE FEARLES ONE” de Cultural Centre Gornji Milanovac (Serbia).

2º Certamen Nacional de Formación Audiovisual ZARAGOZA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE REALIZADO POR ESTUDIANTES DE CENTROS FORMATIVOS DE AUDIOVISUAL “EL SUEÑO ESPACIAL” de Ignacio Malagón (EMAV)                               300€+Trofeo Además este premio tendrá un complemento gracias a la colaboración del Centro Producción Audiovisual (CPA) Curso Técnico de Formación Audiovisual en CPA Online

1º Certamen Internacional de Largometrajes de Cine de Autor “CINE AL CIERZO”

  • AUGUSTO AL MEJOR LARGOMETRAJE CINE DE AUTOR al trabajo “BELLA Y PERDIDA” de Pietro Macello                                       1.000€+Trofeo
  • PREMIO JURADO JOVEN FACULTAD FILOSOFIA Y LETRAS UNIVERSIDAD ZARAGOZA “HISTORIAS DE DOS QUE SOÑARON” de Dan Montgomery y Alejandro de Icaza     Trofeo    
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO “MIMOSAS” de Oliver Laxe.

8º Certamen Nacional de Documentales

  • AUGUSTO AL MEJOR DOCUMENTAL NACIONAL “MUROS” de Pablo Iraburu         400€+Trofeo
  • AUGUSTO AL MEJOR DOCUMENTAL ARAGONÉS “EDUARDO DUCAY, EL CINE QUE SIEMPRE ESTUVO AHI” de Vicky Calavia    Trofeo
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO “LAS PELOTARIS” de Daniel Burgui y Andres Salaberri. 

21º Certamen Nacional de Cortometrajes de Ficción y 15º Certamen Nacional de Cortometrajes de Animación

  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE NACIONAL DE FICCIÓN “HILETA” de Kepa Sojo    1.000€+Trofeo
  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN “DOWN TO THE WIRE” de Juan Carlos Motaza        800€+Trofeo
  • AUGUSTO AL MEJOR CORTOMETRAJE ARAGONES   “FRES-BOY” de Cristina Vilches           800€+Trofeo
  • AUGUSTO DEL PUBLICO AL CORTOMETRAJE     “REWIND” de Rubén Pérez Barrena      500€+Trofeo
  • AUGUSTO JURADO JOVEN ESTUDIANTES CPA SALDUIE y UNIVERSIDAD SAN JORGE AL CORTOMETRAJE “APOLO81” de Oscar Bernacer        Trofeo
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO “LA INVITACIÓN” de Susana Casares
  • MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO “CLASMATE” de Javier Marco.

PREMIO CIMA

  • PREMIO CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales), decide otorgárselo a Susana Casares por el guion y realización de “LA INVITACIÓN”.

PREMIO BOB

  • PREMIO BOB (Best of the Best) “MENU DEL DIA” de IES Bajo Aragón de Alcañiz (España)

RECONOCIMIENTO ZARAGOZA INTERNATIONAL YOUTH FILM FESTIVAL

  • CINE Y SALUD

AUGUSTO ESPECIAL OFICIOS DEL CINE

  • EFECTOS VISUALES “ENTROPYSTUDIO”
  • COMPOSICIÓN BANDAS SONORAS “Bruce Broughton”
  • ESPECIALISTAS CINE “Ignacio Carreño’s Team-STUNTS”

AUGUSTO ESPECIAL DEL CORTO AL LARGO

  • IGNACIO ESTAREGUI

AUGUSTO ESPECIAL APOYO AL CORTOMETRAJE

  • MARIA JOSE MORENO
  • MACARENA GOMEZ

AUGUSTO ESPECIAL ENTIDAD Y SU APOYO AL AUDIOVISUAL

  • FEDERACIÓN ESPAÑOLA DE ASOCIACIONES DE PRODUCTORAS DE ANIMACIÓN “DIBOOS”

AUGUSTO ESPECIAL TALENTO SIGLO XXI

  • ARTURO VALLS

PREMIO CINE PALAFOX A LA PELICULA ESPAÑOLA MAS TAQUILLERA DEL AÑO ANTERIOR

  • PELICULA MAS TAQUILLERA CINE ESPAÑOL 2015 “8 Apellidos Catalanes”

 

AUGUSTO CIUDAD DE ZARAGOZA

  • NACHO GARCIA VELILLA
  • ROSA MARÍA SARDÁ

 

 

 

“La tierra y la sombra”. Cuando todo se oscurece

No debe sorprender que la ópera prima del director colombiano César Augusto Acevedo haya recibido premios importantes en el Festival Internacional de Cannes de 2015. Según  lo que se aprecia al verla, se trata de una película vivencial, que trata de comunicar sentimientos profundos, mundos interiores, relaciones humanas y sus conexiones con la realidad externa que modela y que oprime.

En La tierra y la sombra se describen realidades del mundo de la familia y del mundo del trabajo, enmarcadas dentro del contexto de las extensas y fértiles planicies del Valle del Cauca, en Colombia, dedicadas en buena parte a la siembra de la caña de azúcar. Casi todo transcurre alrededor de una familia cuya vida ha quedado marcada por este cultivo y por la forma en que las cosas han ido evolucionando con el tiempo.  No se muestran imágenes del pasado familiar, pero es evidente que en épocas ya idas, la casita de campo en la cual viven y que ahora está rodeada de la monotonía de los geométricos cultivos, era parte de algún vergel campesino, con huertos, árboles, animales y cierto sentido de la independencia y del amor familiar. De ello solo han quedado una comprometida ética del trabajo, una agobiante nostalgia, abandonos y un gigantesco samán; árbol testigo viviente y solitario. Ya ni tan solo se arriman los pájaros por allí, a pesar de que los vivientes los tienten con las frutas que colocan en una tabla al pie del árbol.

En La tierra y la sombra predominan las sombras. La casa es oscura y ello sirve para que la fotografía se recree en notables juegos de luces. Los rostros son duros y amargos, oscurecidos por difíciles recuerdos, apagados por las dificultades familiares, descoloridos por la enfermedad y la impotencia, ennegrecidos por las cenizas y el polvo siempre prevalente en los ambientes, doblados por la incertidumbre. En el campo, los alegres tonos de la caña apenas si se notan, abrumados por la monotonía del cultivo y por las cenizas resultantes de las quemas, visibles en los brotes quemados y en los suelos. Los cielos siempre aparecen grises, con algún humilde resquicio azulado, que apenas si deja entrar las luces del día. Cuando se iluminan, es porque está en llamas el campo, es porque hay quemas en los cultivos, que parecen abrasarlo todo. En los suelos y en las caras se acumulan pavesas negras y cenizas.


¿De qué nos hablan acá?, ¿de alguna fantasía poética sobre las luces y las sombras o de la dura realidad que se vive en esas tierras? Como es usual en el cine, ambas cosas se están contando. Nos habla el filme de una realidad, que se intenta mostrar en las repetidas escenas, en las que los trabajadores que cortan la caña manifiestan sus inconformidades y sus frustraciones con sus salarios que no llegan a tiempo, que no reflejan la dureza laboral, que no dan justicia a la entrega y los sacrificios. Nos pone de frente con la realidad de las quemas controladas que se hacen en los cultivos, las cuales aparecen, en realidad, descontroladas, feroces, amenazantes, generando cenizas y pavesas a los cuatro vientos, ennegreciendo las vidas y los cuerpos. Nos pone en  contacto con los conflictos familiares, generados por desuniones, por abandonos y por las palabras duras y las miradas desconfiadas. Y nos acerca a la muerte, inevitable compañera, que se arrima prematura al hogar, apagando la vida del todavía joven padre de familia, con sus pulmones dañados y fatigados por el polvo del ambiente.

Dados estos contextos, vale la pena comentar sobre las realidades objetivas del cultivo de la caña de azúcar en el Valle del Cauca, para tener alguna aproximación a todos estos problemas. No hay duda que el director ha aprovechado esta bella película para generar inquietudes en los espectadores, para desatar acciones y para proponer cambios. Y no lo hace con técnicas documentales; no hay cifras ni contexto, no hay análisis histórico ni comentarios. El mensaje nos llega limpio, sin alegatos ideológicos, sin manipulaciones deliberadas. Por eso, ante tal respeto por el espectador, este se siente libre para averiguar más, para profundizar, para arrimarse a las quemas y a las pavesas sin quedar atrapado, pero rico en motivaciones, con sentido de compromiso. Me parece que así se logra mayor alcance, mayor empatía.

La caña de azúcar es la fuente de las mayores producciones de azúcar en el mundo. Ha sido un cultivo que desde tiempos antiguos ha estado ligado a conflictos laborales y humanos. En la actualidad tiende a ser un cultivo tecnificado, de naturaleza bastante industrial, asociado con las empresas productoras de azúcar y de alcohol. Pero todavía persiste la costumbre de hacer quemas controladas para que las hojas se desprendan y el tronco se debilite y se precocine, facilitando el trabajo a los cortadores manuales, subiendo la productividad y los ingresos notablemente. Además, la quema elimina plagas, basuras, residuos y la pelusa que existe alrededor del tronco, que se considera que puede generar problemas de salud. En Colombia, las quemas se realizan por autorización del Ministerio del Medio Ambiente y están controladas por la autoridad ambiental de cada zona, encargada de regular que no afecten a la población civil. A pesar de lo anterior, este procedimiento es cada vez menos aceptado por las comunidades cercanas, por sus implicaciones ecológicas y por la lluvia de cenizas que se generan. La alternativa que existe es utilizar maquinaria de corte, lo cual se hace en pocos países, con impactos posiblemente negativos sobre la calidad y el empleo. Igualmente se estudian variedades que faciliten los procesos de corte, sean manuales o mecánicos, sin que sean necesarias las quemas.

Como tan alegóricamente muestra la película, estos asuntos ambientales que tienen que ver con prácticas establecidas, presentan lados oscuros que deben ser resueltos. Por ello hay que iluminarlos con la fortaleza y la creatividad humanas, de manera que nadie tenga que sufrir, que nadie se tenga que indignar, y así se respete el equilibrio. Quemar es sin duda un signo atávico de resolver las cosas violentamente, dado el carácter amenazante, extensivo, dominante del fuego de los incendios. Cuando hay llamas que ensombrecen la tierra, hay que tomarlas como signos de la necesidad de descubrir fuegos y luces que iluminen. Y de esas cosas todos sabemos en lo más íntimo de nuestro ser. Por eso hay que dar salida al profundo humanismo subyacente, al profundo sentido de contacto con la tierra. Allí habrá respuestas sabias.

Una crítica de Enrique Posada

Fuente: El espectador imaginario

http://www.elespectadorimaginario.com/la-tierra-y-la-sombra/

La proyección comenzará a las 20:00 horas del miércoles 1 de marzo en el salón de actos de La Armas. Entrada libre hasta completar aforo.

“Gente de Bien”. La dignidad de los de abajo

Se acerca navidad y la madre del pequeño Eric debe irse por un tiempo, así que deja a su hijo una temporada con su padre, viviendo en una pequeña pensión en el centro de Bogotá. En el día, Eric lo acompaña a hacer un trabajo de carpintería en el apartamento de una profesora universitaria, de estrato marcadamente más alto, que de inmediato se preocupa por el niño y lo invita a pasar tiempo con su propio hijo. Eventualmente, ella invitará a padre e hijo a pasar las fiestas en la casa de campo que comparte con su familia.

La primera vez que vemos a los personajes —un padre comprensivo y preocupado por ofrecerle a su hijo lo poco que tiene; una profesora en un apartamento con ciertos lujos, peleando a gritos con su hija— el director Franco Lolli parece dejarnos claro quién es la verdadera “gente de bien” (sobre todo cuando este concepto se usa tradicionalmente para designar a la gente de clase alta). Pero Lolli es más astuto que eso, y las ambigüedades morales que conlleva el título se van revelando a medida que avanza la historia:

¿Hace bien él en permitir a su hijo pasar más tiempo con la familia de la señora que con la suya? ¿Se ve comprometida su dignidad al hacerlo? ¿Es válida su frustración al hacerlo si sabe que así le está brindando lo mejor a su hijo? ¿Es eso, de hecho, lo mejor? ¿Hace bien ella en acoger al niño dentro de su hogar? ¿O representa ella el proverbio que dice “De buenas intenciones está hecho el camino al infierno”?

En cada palabra, en cada mirada de los personajes, se va enredando más la maraña de sus sentimientos y se hace más evidente la intensa complejidad que cualquier realidad social contiene, y el hecho de que las diferencias sociales están siempre presentes, silenciosas, sutiles, pero filtrándose en cada interacción humana en una sociedad de clases; más en una como la bogotana. Esto es evidente, por ejemplo, en la barrera invisible que parece existir entre el padre de Eric y la familia de la profesora, y que hace tan extraño el momento en que él se acerca a ellos; o en la discusión de los jóvenes, aparentemente simple, acerca de sus destinos para vacaciones.

Lolli logra elaborar una historia muy sencilla, privilegiando una melancolía de cocción lenta en vez de momentos de dramatismo intenso, y logrando así que los momentos tristes sean aún más dolorosos.

Es inevitable que sintamos por momentos que la película tiene un mejor hogar en la televisión: el formato de imagen, más estrecho que el widescreen, sin duda ayuda a esto. Sin embargo, creo que es una elección acertada para darle un toque más íntimo a la historia, y es una elección que apoya, desde la parte estética, el realismo social que caracteriza a la película, y que por momentos recuerda al cine de los hermanos Dardenne (El niño de la bicicleta, Dos días, una noche).

Es sorprendente también el trabajo que hace el director con un reparto en su mayoría compuesto de actores no profesionales, entre los que se destaca el protagonista, Bryan Santamaría. Sumergiéndose en los matices de la sociedad que lo engendró, Lolli ha logrado construir un relato de pequeña escala pero de grande alcance, y un primer largometraje que nos deja ansiosos de más.

Una crítica de Luis Felipe Raguá M.

Fuente: Filmicas

Gente de bien (2014): Reseña

La proyección comenzará a las 19:00 horas el jueves 2 de marzo en el salón de actos del Centro Joaquín Roncal. Entrada libre hasta completar aforo.

Devolverle el acordeón al diablo

El Jueves 16 de febrero en el Centro Joaquín Roncal comienzan las proyecciones de Principio de Temporada dedicadas al cine colombiano con la película de Ciro Guerra “Los viajes del viento”

Ignacio Carrillo es un juglar de Majagual, Sucre, quien, de su maestro Guerra, recibió como regalo un acordeón que éste le ganó al diablo en una piquería (competencia de juglares). Ahora, Carrillo carga con la maldición de que “todo aquel que toque el negro acordeón se convertirá en un juglar para siempre”. El instrumento, al que distingue un par de cuernos, acompaña al viejo músico a donde quiera que vaya, pero ahora él está de luto por la muerte de su mujer y ya no quiere tocarlo. Así es que ha emprendido un largo viaje en burro con el deseo de llegar hasta la alta Guajira donde habita el maestro Guerra (¿no es curioso que sea éste el apellido del director del filme?), con la esperanza de que pueda quitarle la maldición.

Un joven llamado Fermín, acompañará al acordeonista en su larga travesía y una singular relación, de aprobación y rechazo, aprendizaje y desprecio, y de largos silencios, ocasionalmente rotos por austeras palabras, se dará entre ellos hasta crear un lazo inextricablemente estrecho. Las praderas y los ríos, el sol y el viento, serán testigos de este viaje donde, el viejo y el muchacho, quieren cumplir una promesa, pero sobre todo, ansían encontrarse consigo mismos.

La historia que nos cuenta el director Ciro Guerra, nos recuerda irremediablemente el también singular viaje de esa joya de David Lynch, conocida como “The Straight story”, donde otro viejo que sale en su podadora a visitar a su hermano enfermo, se convierte en un magnífico mensajero. Pero, Guerra hace lo suyo muy a la colombiana, con los mitos de la zona pacífica; la festiva música que los anima; la pasión, la serenidad y la furia que les caracteriza; y los esplendorosos paisajes que nada tienen que envidiar a las llanuras norteamericanas.

“LOS VIAJES DEL VIENTO” es un filme que despertará gratas sensaciones a todos aquellos que saben vivir sin prisa, que saben degustar con ambos oídos los sonidos de la naturaleza, y que entienden que, la palabra sólo debe usarse, cuando lo que se va a decir es mucho mejor que el silencio. También la música producirá sensaciones placenteras (inolvidable “Caballito”)… y aquel par de sensibles buscadores, dejarán una huella, porque tienen Vida y no están nada lejos de lo que, en definitiva, todos anhelamos.

Crítica  de Luis Guillermo Cardona

La proyección comenzará a las 19:00 horas en el salón de actos del Centro Joaquín Roncal. Entrada libre hasta completar aforo.

Homenaje a Kiarostami en la Filmoteca de Zaragoza

Homenajeamos a uno de los directores contemporáneos más importantes de las últimas décadas. Abbas Kiarostami forma parte de la cultura visual de todos los tiempos. 

Abbas Kiarostami es descrito a menudo como el mayor representante del nuevo cine iraní que curiosamente ya ha dejado de ser hace más de una década un fenómeno nuevo. Sus películas han alcanzado el éxito de la crítica en Europa. Después de un aprendizaje como pintor, artista gráfico, director de comerciales de televisión y policía de tráfico, Kiarostami se ha convertido en el cineasta más poderoso y refinado de Irán. Nació en 1940 y realizó películas infantiles en los setenta.

Aunque la sociedad iraní tiene unas enormes restricciones en temas religiosos, sexuales y políticos, el arte ha continuado floreciendo,. Precisamente  desde los años 70 las películas infantiles han jugado un papel particularmente importante en la creación de un espacio de liberación para el cine iraní. Para Kiarostami un niño inocente a menudo tiene más valor moral que un adulto.

En “El pan y la calle” en 1970, Kiarostami explotó solamente en la escena de festivales, pero  en 1987. “¿Dónde está la casa de mi amigo?” Le valió además del favor de la crítica, la aclamación del público.

Hasta 1990, antes de que su tour de force con  “Close up” abriera los ojos a su talento, la mayoría de la gente todavía lo consideraba un director de cine infantil. En “Close up” explora la naturaleza de la verdad y la realidad y la medida en que los adultos y los niños por igual existen en una ranura de ingenuidad. Desde la época de “¿Dónde está la casa de mi amigo?”(1987), “Y la vida continúa” (1992), “A través de los olivos” (1994) y “Close-up” (1990), ha sido aclamado internacionalmente como uno de los grandes cineastas de esta era.

Abbas Kiarostami AFP PHOTO / ERIC ESTRADE
Abbas Kiarostami AFP PHOTO / ERIC ESTRADE

Poco después de que “El sabor de las cerezas” (1997) ganara la Palma de Oro varias influyentes encuestas del milenio votaron al iraní Abbas Kiarostami como el cineasta más importante de la década de 1990. Su película “El viento nos llevará” (1999) también se llevó el Gran Premio Especial del Jurado en Venecia.

Pero Kiarostami nunca quiso descansar en los laureles, y las siguientes películas, especialmente “Ten”“Five Dedicated to Ozu”, lo vieron explorar el potencial de la tecnología digital con resultados luminosos y estimulantes. “Ten” es una obra maestra minimalista, explorando tanto la opresión de las mujeres en el Irán moderno como el potencial dramático y político de una película en gran medida improvisada con dos ángulos de cámara fijos dentro de los confines de un coche conducido por las concurridas calles de Teherán .

La película se divide en diez escenas, cada una de las cuales representa una conversación entre una conductora femenina inmutable y una variedad de pasajeros mientras conduce alrededor de Teherán. La película explora los problemas sociales personales que surgen en la dulcificación iraní. Es revelador, subversivo, sorprendente, ingenioso, misterioso y al final, emocionante. El último capítulo es extraordinario. Su exploración cinematográfica de la frontera entre ficción y documental lo ha convertido en un artista modernista de estatura internacional.

En su “El viento nos llevará”, película que podemos ver en la Filmoteca de Zaragoza en este homenaje, vemos a un grupo de extraños que llega a un pueblo, nadie sabe lo que quieren, y el jefe del grupo le divierte que  por las aldeas se  sospeche que son cazadores de tesoros. Pero la atención del líder es misteriosamente dirigida a una habitación donde una anciana está muriendo. Cuando finalmente la vieja parece pasar sus últimos momentos, el extraño comienza a reflexionar sobre el gran misterio de la vida y la muerte.

La película más vistosa de Kiarostami continúa su exploración de nuestra actitud hacia la mortalidad, pero a un efecto más burlón, cómico y notablemente poético, reflexionando sobre el renacimiento espiritual. Hermosa obra maestra.

“El Viento nos llevará “ se puede ver dentro del ciclo Cine al Cierzo den la filmoteca de Zaragoza el viernes 2 de diciembre a las 18:00 horas con entrada libre.

A la película le sigue una charla con Ahmad Taheri -amigo y traductor de la obra poética del realizador-, y un fantástico coloquio abierto con el profesor de cine y guionista Iván Pintor Iranzo sobre el Cine y la poética del Viento. ¡Imprescindible!

 

Nacho García Velilla. Comedia, comedia y comedia

Nacho García Velilla recibirá uno de los dos Premios Ciudad de Zaragoza de esta XXI edición del Festival de Cine de Zaragoza.

Si hablamos de la comedia española de los últimos 20 años, hablamos de Nacho garcía Velilla. También si hablamos de ficción televisiva. Ha participado o creado algunas de las series más importantes de este país.

Fotograma de la película "Que se mueran los feos" de 2010
Fotograma de la película “Que se mueran los feos” de 2010

Desde 7 vidas, que es precursora de la comedia televisiva  actual y marcó a una generación, hasta su último largometraje, “Villaviciosa de al lado” a punto de estrenarse, este zaragozano es uno de las voces más potentes del audiovisual en la actualidad.

Fuera de carta (2008), Que se mueran los feos (2010) y Perdiendo el norte (2015) )  forman parte ya de la historia de la comedia española.

Nacho García Velilla ya traspasa nuestras fronteras triunfa en la taquilla norteamericana con la película “No manches Frida”, una comedia dedicada al mercado latino.

Un homenaje más que merecido a uno de los talentos nacionales con más proyección.

Angel De Manuel

20 años de la Tertulia Perdiguer

El último sábado de cada mes desde hace 20 años  se reúne la Tertulia Perdiguer. Se sientan a hablar de cine, de estrenos,  de festivales, y comentan sus últimas visitas al cine.

En la actualidad la componen unas 40 personas, entre cinéfilos, cineastas, escritores, poetas y críticos.  Ramón Perdiguer, su presidente , está a punto de cumplir 90 años y es una de las personas que más sabe de cine y de Greta Garbo (su pasión) en esta comunidad.

La Bodegas Perdiguer
La Bodegas Perdiguer

La tertulia Perdiguer se creó en febrero de 1996, año en que se celebró en Zaragoza el centenario del cine español, con 13 miembros que se reunieron en las bodegas Perdiguer.

Desde ese momento hasta ahora han pasado muchas cosas e historias. Nos dejaron algunos de sus miembros como Celio Val y Alberto Sánchez Millán. Muchos de sus componentes han participado como jurados o colaboradores en todos los festivales de Aragón, donde Ramón Perdiguer ha recibido homenajes en la mayoría de ellos, que han reconocido su labor por mantener la memoria del cine.

Celebramos en esta edición del Festival de Cine de Zaragoza esos 20 años, esperando que sean solo los primeros. El cine siempre y para siempre.

Macarena Gómez, dulce terror

La cordobesa Macarena Gómez recibe el Premio Augusto “Apoyo al cortometraje” de esta XXI edición del festival de Cine de Zaragoza.

La actriz de ojazos dulces y cuerpo fino quizás no parezca la más indicada para hacer esos papeles del género de fantástico y terror en los que tanto se ha prodigado.
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Pero quizás sea esa dulzura, esa aparente suavidad, lo que la hace tan especial para este género.. Su capacidad para pasar de la dulzura al horror como magnífica actriz que es.

Esa capacidad la que desplegó en  “Musarañas” que le supuso una nominación a los Goya. Hoy triunfa también en una serie televisiva, pero no ha dejado de hacer cortos. Sigue protagonizando y colaborando con numerosos trabajos y apoyando a nuevos realizadores. Ella mismo ha dicho que jamás dejará de hacer cortos y es que esto le permite visitar mil vidas y ser mil cosas.

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En su perfil oficial en la sección de información encontré un texto que quizás sirva mejor que nada para definirla como actriz.

Asesina en serie, vecina extrovertida, prostituta sin dientes, cornuda, perseguida por fantasmas, roba-glándulas, punki en la movida, Dama-lista y actriz.

Angel De Manuel

‘Dead Slow Ahead’ una experiencia cinematográfica

El Festival de Cine de Zaragoza inaugura la nueva Sección Oficial de Largometraje Internacional Cine al Cierzo con la multipremiada Dead Slow Ahead en presencia de su director, Mauro Herce. Su película ha sido calificada como una de las mejores del 2015 según la nota media de la prensa en Francia y en España, con 10 premios a sus espaldas (Locarno, DocLisboa, Jihlava, Sevilla, etc) y un recorrido por más de ciento y pico festivales internacionales.

Una verdadera experiencia sensorial!!

20:30 en las Salas Palafox. Entrada gratuita hasta completar aforo.

“Mauro Herce reconoce que no le gustan las etiquetas para definir la película. Quizá porque ninguna pueda hacer del todo justicia a su propuesta. Dead Slow Ahead termina siendo mucho más que una inmersión documental en la rutinaria travesía de un carguero por el océano, su ambición por adentrarse en la ciencia ficción y dejarse llevar por el rugir del barco hacia lo desconocido la convierten en una experiencia inclasificable. Abierta al goce estético y sensorial del espectador, más allá de cualquier expectativa, gran metáfora o razón de ser argumental, la película que se encuentra soterrada en sus imágenes y diseño sonoro (sobre el que profundizamos) es una a contemplar en pantalla grande..” (Revista Magnolia).

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“Un agujero entre las nubes que tamiza la luz arrojando sobre el océano una mancha con forma de platillo volante. Una turbina que gira y cruje como un viejo proyector cinematográfico. Un marinero que se escurre entre las entrañas de un carguero como un virus por los intestinos de un enfermo. El primer largometraje de Mauro Herce es un relato de aventuras, el que llevó al barcelonés de una esquina a otra del mundo durante dos meses y medio en un inhóspito carguero acompañado por un técnico de sonido. Pero, ante todo, una de las experiencias estéticas más apasionantes del cine español reciente, el trabajo de un artista plástico que ha decidido tomar la realidad y observarla desde una perspectiva alucinada, más propia de un niño que de un antropólogo, como él mismo indica.” (El Confidencial)

“Mauro Herce: En el origen, está un pequeño sueño de infancia. He vivido prácticamente toda mi vida cerca del mar, nací en Barcelona donde pasé toda mi infancia y juventud, y muchos veranos los pasaba en un pueblo costero cerca de Alicante. Siempre me llamaban la atención esos barcos que se ven a lo lejos, sobre la línea del horizonte, que pasan días y días parados. Proyectaba sobre aquellos buques un sinfín de historias. Luego, descubrí que esos barcos se ocupan del transporte del 95% de las mercancías del planeta y que, en gran medida, garantizan el estilo de vida del que gozamos en el primer mundo. Sin embargo, no son más que fantasmas o sombras para nosotros. Más adelante, las circunstancias me llevaron hasta Chile, donde después de rodar una película llamada Ocaso en Talca, teníamos que hacer otra película en Valparaíso, un proyecto que no fructificó. Pasé mucho tiempo esperando en el puerto a ver si se desbloqueaba la situación y me hice amigo de unos marineros que estaban allí varados por un problema económico de su compañía. Me dejaron subir a su barco y descubrí unas condiciones idóneas para hacer el tipo de película que me gusta.” Otros Cines Europa